Bandas sonoras anacrónicas: Una falla del drama de época contemporáneo

 

Desde principios de siglo que he estado rezongando en contra de un fenómeno del Milenio, la musicalización que no corresponde a la época de la historia que acompaña. No me refiero únicamente a música de fondo sino también a la inclusión de canciones pop en épocas en que no se conocían ni ese estilo ni esos instrumentos. Últimamente he estado escuchando quejas que son ecos de las mías sobre series como SAS Rogue Heroes y Lidia Poet. Como eso no ocurre en el cine (ejemplos recientes de buenas bandas sonoras son The Fabelmans y Babylon ), creo que es hora de definir, criticar y repudiar el anacronismo musical que afecta al drama de época televisivo.

La Triste Saga del Anacronismo en Period Dramas

Por “anacronismos” en este caso me refiero a poner música en un drama de época que pertenece a épocas posteriores. A comienzos de siglo,  cuando noté este fenómeno en filmes y series de época,  lo adjudiqué a pereza e ignorancia. Hoy sé que es algo hecho a propósito e incluso celebrado.  Lo entiendo, hay personas de treinta o menos años que no conocen ni entienden el concepto de música retro, nostálgica o simplemente “antigua”, a menos que sean estudiosos de esa disciplina.

El anacronismo musical se manifiesta de dos maneras: en determinada época se escuchan en la radio o cantan los personajes canciones que corresponden a décadas o siglos futuros.  También está el colocar como música de fondo ritmos modernos sean rap, technopop , reggaetón, etc.. Inclusive puede ser anacrónico que toquen música folclórica improcedente. O sea, imagínense una cueca o una cumbia en un peplo o drama medieval .

Una banda sonora adecuada crea ambiente a la par que permite conocer y apreciar los sonidos del pasado. Un soundtrack inadecuado demuestra ignorancia ya que presenta una visión falsa del ayer, fake news en vez de historia. Desde los días de Sir Walter Scott que se ha discutido sobre la necesidad de la licencia literaria en un marco de ficción histórica, pero la literatura choca con la ficción audiovisual en el hecho de que esta última pone a los sentidos a trabajar. Eso exige mayor historicidad o atmosfera de época que permita al espectador entrar en el relato y experimentar lo que los personajes viven o su modo de pensar.

Las dos zonas de conflicto en el period drama fílmico han sido la música y la moda. Desde el cine mudo que los personajes lucen ropa o peinados anacrónicos. Piensen en el cabello hasta el hombro de Vivián Leigh en lo que el viento se llevó, o el pixie de Liza Minelli en Cabaret. Ni hablar de las películas de la Gran Guerra hechas en Los 30 en la que las actrices vestían a la moda de La Depresión no de 1914. Yo misma he visto películas sobre la Segunda Guerra Mundial en que la heroína usa minifaldas.

Eso acabó en 1972 con El Padrino que combinaba una esmeradísima evolución de la moda de dos décadas con un score musical finísimo, una fusión de estilo tradicional de música siciliana con música de Los 40. Desde ese momento hasta este siglo se consideró una virtud en un filme de época el ser fidedigno tanto en el vestuario como en la música del tiempo que se recreaba.

Cuando se oyen críticas sobre el mal uso del soundtrack, los encargados nos salen con excusas patéticas, desde que “los chicos de hoy no verían estas series si tuviesen música añeja” a que intentar recuperar un contexto del pasado perpetuaría un espíritu retrogrado y patriarcal. Esto último ni merece respuesta, pero lo primero es totalmente falso. Los jóvenes (y los viejos) que se internan en el drama de época van con ánimo proustiano, en búsqueda de un tiempo perdido, lejano y exótico. Para eso no necesitan oír o escuchar lo disponible en I-Tunes.

Como la Nostalgia Nos Llevó a Apreciar a Música del Pasado

En términos de cultura popular, el Estados Unidos del siglo XX , habitó una zona de nostalgia. Los filmes de La Depresión evocaban la Belle Epoque (o Gilded Age) que fue épocas de abundancia. El Hollywood de Los 60 se volcó hacia el liberalismo de los Locos Veinte. Yo tuve la suerte de vivir en Los Nostálgicos 70 cuya cultura de masas volvía los ojos a Los 30 y 40. Algo que se vislumbraba en el cine y la televisión que vivieron toda una onda de period pieces y también en la música puesto que muchas orquestas sobrevivientes de La Era Big Band tuvieron un renacimiento.

Pero la fascinación de los jóvenes setenteros era con la primera era del Rock n Roll y del Twist. Llegaban ahí gracias a filmes como la American Graffiti de Spielberg, la exitosa serie de televisión Happy Days y,  por supuesto,  la obra teatral Grease, cuya versión fílmica cerraría la década en que los jóvenes bailaban el rock. Yo recuerdo a mi hermano y sus amigos comprando y comentando los discos de Chubby Checker, Chuck Berry y Bill Haley y sus Cometas, todo gracias al cine. Esas platicas ayudaban a crear un vínculo con nuestra madre que era roquera de corazón,  y de jovencita había ganado un concurso de rock and roll.

Paralela a esa fascinación con los días de Elvis, existía un deslumbramiento por la moda y música de los 30 y 40 ( Swing y Big Band).  He hablado en otro blog sobre la influencia de esta ola nostálgica en el cine y de ahí al vestuario, pero más que un fad se vivió un renacimiento de muchas cosas. Entre ellas se reconoció a quienes había formado parte del Hollywood, Broadway y radio de ese entonces. En Los 70 no solo estuvieron activos actores tan diferentes como Henry Fonda,  Burt Lancaster y Fred Astaire, pero además recibieron premios y nominaciones por su trabajo (tal como Don Ameche en Los 80).

Este renacimiento, unido a filmes y miniseries situados en los años de la Depresión y la Segunda Guerra Mundial,  repercutió en los gustos musicales. Las academias de baile volvieron a enseñar el foxtrot y el jitterbugh. Las orquestas de Artie Shaw, Woody Herman y otros volvieron a pisar los escenarios. En 1975 se inauguró en Iowa el Festival Anual de Glenn Miller, Benny Goodman grabó tres discos con compilaciones de sus grandes éxitos,  y uno el 81 de un concierto en vivo que vivo en Hamburgo.

El comienzo de Los 70 traería una fascinación con el rock and roll clásico, pero sus finales verían un revival del Swing. Series como Los Walton que tenía lugar durante La Depresión y la Segunda Guerra Mundial, el refrito de De Aquí a la Eternidad y miniseries cono El Ultimo Convertible traerían de regreso del baúl de la abuela los ritmos de Las Big Bands. Por algo Benny Goodman volvió a tener un concierto en el Carnegie Hall, por algo voces legendarias como la de ella Fitzgerald y Frank Sinatra siguieron relevantes.

No solo Los 40 nos han llegado gracias a soundtrack adecuados. A fines de Los 80, filmes hoy considerados clásicos como The Big Chill y series como China Beach pusieron de moda la música de Los 60. Tal como lo harían series icónicas de este siglo como Mad Men y Masters of Sex.

Musicalizando Siglos Pretéritos

¿Entonces cómo se explican aberraciones como la musicalización de Lidia Poet que acompaña una historia de fines del siglo XIX con rock alternativo que ni siquiera es italiano? ¿Como poder sentir la impotencia y arrojo de los comandos de SAS Rogue Heroes con esa música chirriante y estridente?

Las bandas sonoras anacrónicas funcionan en historias atemporales, fantásticas o donde no se sabe en qué tiempo o lugar ocurren. Por eso no me quejo de la musicalización de 1899 y aplaudí el versátil repertorio de Wednesday. Son el sonido adecuado para sátiras como JoJo Rabbit y The Great y  ucronías como Inglorious Basterds. ¿Es SAS Rogue Heroes ciencia ficción? ¿Es Lidia Poet una sátira?  En sus casos la música inadecuada caricaturiza la historia y la devalúa.

Hay casos más grotescos. Lena Dunham en su infame Catherine, Called Birdy incluye en su soundtrack un hit de los 60 “My Boyfriend is Back”. Claro, para una descerebrada, el poner en un escenario medieval un pop sesentero es lo adecuado. Total, ambas son de época ¿O no?

Habrá quien me recuerde que Grease, escrita por Jim Jacobs y Warren Casey, tenía una banda sonora totalmente artificial que no reflejaba exactamente los sonidos de la era del Rock. Es cierto, lo que pasa es que los temas sonaban poco contemporáneos. Incluso la balada que se escribió para la película, y que ameritó un Oscar a Dame Olivia Newton John, “Hopeleslly Devoted to You” suena más country que dIsco que era la música imperante de 1978. Ni hablar de la encantadora “Beauty School Drop-Out” que le canta a Frenchy, un Frankie Avalon, un poco avejentado, pero que todavía recuerda al ídolo de la canción que fue a fines de Los 50.

Algo más, en Grease (tal como en su precuela televisiva Rise of the Pink Ladies)  se usa como música de fondo temas de ese tiempo . Por ejemplo, la que oímos en el baile del prom, como “Hound Dog” y “Tears on my Pillow” . Recordemos que esa orquesta llamada ShaNaNa se hizo famosa en la vida real reflotando sonidos de la Era Rock como la maravillosa “Those Magic Changes”.

Resonancias del Lejano Oeste

Una excusa que esgrimirá más de uno es que el problema con sagas medievales o decimonónica como Lidia Poet es que presentan un problema al crearles trasfondos musicales. No tenemos acceso a música popular o esparcimiento de esos tiempos. Aunque sea cierto,  se puede construir un soundtrack que provoque un clima de época. Una razón por la cual dejé de ver Deadwood fue su musicalización “presentista”,  que en medio del Far West escuchásemos música country o a Bob Dylan o Bruce Springsteen le quitaba seriedad a la historia.

Por otro lado, uno de los muchos motivos que me hacen admirar las precuelas de Yellowstone es el cuidado que han tenido con la música de fondo. Los temas son épicos, sobre todo el que se oye en la escena inicial de 1883 con Elsa sobreviviendo un ataque de los indios en el que los acordes alcanzan ribetes wagnerianos. Para la serie Brian Tyler y Breton Vivian han compuesto el emotivo  tema principal.

Mas allá de composiciones hechas para el filme, hay otros sonidos que nos hacen sentir en el Lejano Oeste desde las tristes melodías folclóricas entonadas por los inmigrantes hasta las teclas de pianola que escuchan los parroquianos del “White Elephant” legendario bar (todavía existe) de Fort Worth.

Incluso, la producción ha convertido una Sonata de Beethoven tocada por Elsa en un piano abandonado en la pradera,   en epitafio lúgubre de los muchos que durante su interpretación se ahogan en el cruce de la caravana del Rio Brazos. Parte del aura de Elsa es que también sabe cantar y la oímos entonar de noche para tranquilizar a las reses,  la balada  “Beautiful Dreamer”. Compuesta por Stephen Foster, fue publicada póstumamente en 1864, pero hasta hoy es un estándar de la música estadounidense.

Muchos estadounidenses desconocen la historia de su propia música y ahí es donde el period drama entra en juego. Por ejemplo, cuando Elvis canta “Love me Tender” en su homónimo filme de la Guerra Civil, pocos saben que la letra es nueva, pero la música corresponde a “Aura Lee” una tonada popular de 1861.

Aquí les va otra anécdota que tiene que ver con un documental. Hoy considerado el mejor documentalista de Estados Unidos, Ken Burns saltó a la fama en 1990 con su The Civil War. Todos, aun los poco amigos de los documentales, quedamos impresionados por la cantidad de material (sobre todo fotográfico) e información sobre un tema que nos era presentado de una manera bastante objetiva y dándonos un sabor de esa época.

Parte de ese sabor era el tema principal, un emotivo y elegiaco instrumental llamado “The Ashokan Farewell”. Por mucho tiempo se creyó que este bellísimo vals pertenecía al repertorio de Los 1860s. La gran sorpresa fue saber que había sido compuesta en 1982 por un chico judío del Bronx llamado Jay Unger.

Gatsby en La Era del Rap

Para hacerme entender mejor voy a pasar a un par de comparaciones. ¿Porque la versión de El Gran Gatsby de 1974 es superior a la de este siglo? Ambas tienen un reparto de lujo con buenas actuaciones. Sin embargo, a la versión 2013 le falta atmosfera de época. La de Bobby Redford se destaca por su apego a los diálogos escritos por Scott Fitzgerald, por ser firmada a toda luz en mansiones de grandes millonarios de la vida real, por su vestuario elegante sobre todo el de Mia Farrow que parecía el de un hada hecho de gasas en tonos pastel.

La guinda del pastel-filme era la banda sonora. Nelson Riddle tomó una canción de Irving Berlin (¿“What Will I Do?”) y le hizo arreglos de la cual sacó numerosas variaciones desde una grabación contemporánea de Bill Atherton hasta el vals que bailan Daisy y Gatsby , disfrazados con modas de 1917,  en un esfuerzo por recuperar su pasado. Aun así, el soundtrack contiene otros temas de moda de Los 20 como “Ain’t We Have Fun”y “When You and I Were Seventeen”.

Comparen eso con la versión Di Caprio, oscura, sombría en escenarios falsos creados por CGI (“inspirados” en la arquitectura de la época).  El vestuario es grotesco. El espíritu de la ropa “liberada” de Los Locos 20 era un rechazo a las curvas femeninas, a figuras rollizas de matronas fértiles que solo servían para parir hijos. Se trataba de una liberación de corses y otras prendas que hacían a la mujer prisionera de guardarropa y estereotipos. La nueva ropa interior favorecía una silueta “plana”   andrógina. Pues a la diseñadora del filme se le ocurrió hacer lo contrario. ropa ceñida que enfatizase busto, escotes sobre pechos turgentes, ect. Ayyy. Pero peor les quedó el soundtrack

Desde el ridículo y anacrónico tema principal de Lana del Rey hasta música de fondo a cargo de las voces de Beyonce, Jay Z y Kanye West, la banda sonora caricaturizaba una historia que tiene lugar en 1922, pero donde se baila (al son del rap) el Charleston, danza inventada en 1928. Con razón este filme fue un fracaso.

Recreando el Jazz de Los Locos 20

En la última década, Los 20 han sido un trasfondo elegido por muchos period pieces y la mayoría han sabido bregar con la musicalización de manera coherente y fidedigna a la época que retratan. En Babylon Berlin Tom Twyker y Achim von Borries solicitaron del legendario Bryan Ferry que crease una banda sonora. Para ella se adaptaron oldies de Ferry que, aunque no son exactamente sonidos de la época logran transmitir un sentido del pasado. Alternando con esa musicalización especialmente compuesta para la serie, hay canciones que podían escucharse en la radio berlinesa a fines de Los 20 y comienzos de Los 30.

A partir de su Tercera Temporada Downton Abbey entró de lleno en el mundo de las Young Bright Things como se llamaba la juventud (adinerada, por supuesto) de la posguerra, cuyo estilo de vida hedonístico y liberal es ejemplarizado por Lady Rose, una sobrina de los Crawley que viene a vivir con ellos en la Abadía. Rose es la encargada de mostrarnos el mundo desenfrenado de lo Night Clubs y es quien trae el jazz a Downton Abbey con gran escándalo de su familia. Además, el personaje de Lily James tiene un affaire con un músico negro. No llegan al altar ( al final se casa con un judío) pero ese episodio ayuda a hacernos conocer el tipo de sonidos que acompañaban a la década.

El mejor trabajo de musicalización de un period drama, lo veo en mi serie favorita (solo superada por Das Boot que también tiene un excelente soundtrack) Badehotellet. En esta serie danesa la producción ha creado una repertorio de instrumentales para música de fondo encabezados por un tema de introducción que sigue las pautas de la época con muchos instrumentos de viento y estilo jazzy. Este mismo tema,  en las últimas temporadas que tienen lugar en Los 40,  se vuelve más lento y más swinging.

Para equilibrar todas estas melodías que pueden denotar influencia de piezas de la época como “I’m Confessing that I Love You” y el “Sing, Sing, Sing de Benny Goodman, tenemos el relleno vocal proporcionado porjens  Jacob  Yychsen. En el rol del temperamental actor Edward Weyse, Jens deleita a los huéspedes del hotel con una canción por noche de estadía. Su repertorio que, como descube una Wehrmacht desolada, solo abarca baladas en inglés, cubre hits de la vida real desde “Yes Sir,That’s my Baby” hasta  “It’s Been a Long Long Time”. En la séptima temporada entona esta melancólica canción danesa que refleja el espíritu del hotel y el de sus huéspedes ante el cambio existencial de vivir bajo la bota nazi.

No puedo terminar de hablar de musicalizaciones correctas de dramas de época televisivos sin mencionar Boardwalk Empire. A pesar de la disonante cortina,  con esos chirridos tan feos y modernos,  tanto la música de fondo como las canciones de época son perfectas correspondiendo a lo que se esperaba. No solo oímos canciones e instrumentales de los Locos 20 como “After You Get What You Want” de la inmortal Sophie Tucker. También el equipo de producción de Scorsese, Tim van Zant y Mark Walhberg se encargó de contratar a músicos de jazz contemporáneos como Regina Spektor y Vince Giordano para grabar estándares musicales de los 20 y 30 que hacen más creíble la reconstrucción de la Atlantic City, setting de esta saga de gánsteres.

El irreprensible Steven Knight

Curiosamente, Peaky Blinders,  que desfachatadamente ha copiado a Boardwalk,  no eligió ese camino. Para Steven Knight la atmosfera de época nunca ha sido una prioridad y eso se nota desde el hecho de que los verdaderos Peaky Blinders eran una pandilla victoriana hasta manipular la historia inglesa del periodo de entre guerras. Yo dejé de ver PB porque no soportaba al protagonista, pero durante tres temporadas (y un poco de la cuarta) noté anacronismos en vestuario y musicalización.

La ironía es que esta banda sonora que ya en la primera temporada mostraba un completo olvido de atmosfera y época incluyendo canciones de David Bowie y Black Sabbath, fue un gancho para atraer a gente que no gusta del drama de época. Otras temporadas han seguido este trend de sonidos metaleros para trasfondo. Esta es una característica de la obra de Steven Knight al que le importan un bledo los convencionalismos del period piece y lo demuestra en S.A.S. Rogue Heroes que sin embargo ha recibido reproches por su banda sonora a la par de convertirse en favorita de los fans de Peaky Blinders.

No soy quién para criticar los gustos de los fans, pero como fanática de drama histórico puedo elevar una queja sobre Rogue Heroes. A diferencia de PB, se trata de un subgénero dentro del period piece, la ficción bélica,  en particular la relacionada con la Segunda Guerra Mundial que tiene su propio arsenal musical. Además, está narrando hechos reales que ocurrieron a personajes históricos, por lo tanto , tal como se ha preocupado de emplear uniformes y armamentos de 1942 y vestir al personaje de Sophie Boutella con modas de los 40, también existe la obligación de tener una soundtrack adecuado en vez de estridencias anacrónicas.

El que no entienda esto cae en la categoría designada por Arturo Pérez Reverte de “espectadores ignorantes, desinformados o sumisos a los patrones sociales de hoy”. En ese caso —y sigo citando al genial escritor y observador social— “el público no está preparado para encajar estos anacronismos… y acaba creyendo que la realidad histórica es aquella.”  Al final se impone un falso relato de lo que fue la realidad de nuestros antepasados. Es por eso por lo que algo que parece minucia como una banda sonora puede ser tan relevante tanto si se acerca o comprende la música de la época como si hace lo contrario.

¿Habías notado este anacronismo musical? ¿Te molesta? ¿Prefieres oír música moderna aun en escenarios done no corresponde? ¿O prefieres conocer la verdadera música que acompañó el tiempo que aparece en pantalla?